duminică, 2 ianuarie 2022

Giotto / Zorii Renasterii



Comment Giotto a changé l'art en 10 chefs-d'œuvre

Au XVe siècle, Cennini, peintre et auteur de traités artistiques, écrit que Giotto « a changé l'art de la peinture » ; Giotto a apporté une révolution en rendant l'art plus fidèle à la réalité.

26 décembre 2021 • Par Cinzia Franceschini , MA Histoire de l'art avec critique d'histoire de l'art




Giotto di Bondone (ca 1267-1337) était un peintre toscan pionnier du 14ème siècle. Considéré comme l'un des artistes les plus influents de l'histoire de l'art occidental , il a introduit le naturalisme, la construction spatiale et l'émotivité dans ses nombreuses peintures, notamment des polyptyques et des fresques, comme celles de la merveilleuse chapelle des Scrovegni. Giotto lui-même est entouré d'une aura de mystère. On sait peu de choses sur sa vie et sa carrière, à commencer par son vrai nom, qui peut être Ambrogio ou Biagio. De nombreuses anecdotes biographiques et œuvres d'art qui lui sont attribuées sont encore entourées de légendes, même si cela ne fait que rendre ses chefs-d'œuvre plus fascinants.


10. Le Crucifix de Giotto : Un Christ Révolutionnaire


Crucifix de Santa Maria Novella , par Giotto, ca. 1280, via Wikimedia Commons

Quand on pense aux artistes qui ont laissé une marque indélébile dans l'histoire de la peinture, on pense souvent à Léonard , Michel - Ange et Raphaël . On remonte rarement plus loin que la Renaissance . Cependant, le travail de Giotto di Bondone représente un moment charnière dans l'histoire de l'art car son travail était un point de rupture avec la tradition artistique précédente. Il abandonne la rigueur et la solennité hiératique des icônes byzantines , au profit d'un art plus proche de la réalité. Il a été le premier à introduire la perspective (bien que primitive) et il a utilisé le clair-obscur pour créer de la profondeur et du volume dans ses compositions et ses figures.

Le talent extraordinaire de Giotto lui a été attribué dès l'enfance. Selon la légende, son maître Cimabue l'aurait trouvé en train de peindre alors qu'il était jeune berger. Giotto passe alors son temps à peindre des moutons extrêmement réalistes sur des rochers. Cette compétence a conduit le peintre âgé à l'amener dans son atelier de Florence en tant qu'apprenti. Il n'y a pas de sources documentaires qui attestent du lien entre les deux artistes, mais les chercheurs ont vu des preuves émerger de comparaisons stylistiques.


Crucifixion, Chapelle des Scrovegni, par Giotto , 1304-1306, Padoue, Italie, via la Web Gallery of Art

Le crucifix frappant de l'église de Santa Maria Novella est l'un des parallélismes les plus intéressants entre Giotto et Cimabue. Giotto commence à y travailler en 1259. Sa représentation du Christ est une véritable révolution picturale et visuelle. Une révolution qui aurait également lieu dans la chapelle des Scrovegni. Giotto passe des crucifix géométriques et schématiques, comme ceux attribués à Cimabue, à une représentation plus naturelle. Le Christ de Santa Maria Novella a un poids qui se penche naturellement vers le bas et une expression souffrante et naturelle sur son visage. C'est un corps réaliste d'un vrai homme. Comme il arrive si souvent dans l'histoire, l'élève avait dépassé le maître.


9. Le panneau du Louvre : Saint François recevant les stigmates


Giotto était un artiste célèbre à son époque et était convoité par de nombreux mécènes. Malgré ce fait, il n'y a pas beaucoup de sources sur ses œuvres et sa vie. Par exemple, très peu de tableaux signés ou de tableaux lui ont été unanimement attribués par la critique. Saint François d'Assise recevant les stigmates est l'un des rares. Réalisé pour l'église Saint François de Pise vers le XIVe siècle, ce chef-d'œuvre est aujourd'hui conservé au musée du Louvre.

Le peintre toscan a décidé de représenter une scène bouleversante de la vie de saint François. Il a peint le moment où le saint a reçu les stigmates du Christ, après quarante jours d'isolement et de prière dans les montagnes des Apennins. Giotto a recréé la vision du Saint, traduisant l'étonnement dans son expression. La construction spatiale, divisée en premier plan et arrière-plan, et véhiculée avec naturalisme, est une autre innovation importante. Bien que convoité par des mécènes plus riches, Giotto n'a jamais abandonné la peinture pour l'ordre franciscain. Le peintre partage le même amour de la nature avec l'église franciscaine.


8 . Polyptyque de Baroncelli : un autre chef-d'œuvre florentin



Le polyptyque Baroncelli est une autre œuvre d'art attribuée à Giotto, mais il y a des doutes et des perplexités qui l'entourent. Bien qu'il porte l'inscription « œuvre du maître Giotto », il fut attribué pendant des siècles à Taddeo Gaddi. Actuellement, les érudits s'accordent à dire qu'il s'agit d'un Giotto. Il est situé là où il a été conçu en 1328 : dans la chapelle Baroncelli de la basilique florentine de Santa Croce.


Le polyptyque a été commandé par la famille Baroncelli, qui étaient de riches banquiers marchands florentins. Giotto a peint dans le cadre sculpté et doré le couronnement de la Vierge. À l'origine, le polyptyque était caractérisé par des pinacles de style gothique, qui ont ensuite été éliminés. L'artiste innove une fois de plus dans l'art de son temps. Son groupe bondé d'anges chanteurs, de saints et de chérubins se caractérise par des expressions toutes différentes les unes des autres et naturalistes !


7. À la recherche de la profondeur spatiale : polyptyque de Bologne

Polyptyque de Bologne , par Giotto , 1330-1334, Galerie nationale d'art de Bologne, via Arthistoryproject.com

Le Polyptyque de Bologne est le troisième chef-d'œuvre signé à l'origine par Giotto. Grâce à une analyse minutieuse, vous pouvez entrevoir son nom placé sur le trône de la Vierge. Cependant, malgré cet élément reconnaissable, il n'existe aucun document qui atteste de la date ou de l'emplacement de ce panneau. La comparaison stylistique avec le polyptyque précédent de Baroncelli amène les chercheurs à dater celui-ci un peu plus tard. Les personnages ont une posture plus fluide et dynamique ; ils sont moins rigides que ceux de Santa Croce. Il y a aussi une allusion à la profondeur spatiale, en particulier dans le trône de la Vierge. Même l' enfant Jésus , contrairement à d'autres représentations médiévales, est plus naturel dans sa pose et ses gestes. Il pourrait donc s'agir d'une œuvre postérieure du maître. Le polyptyque de Bolognea probablement été réalisé pour honorer le retour du Pape d'Avignon à Bologne. L'élégance des ornements et des couleurs démontre qu'il s'agissait d'une commande faisant autorité.


6. Giotto : architecte du clocher de Florence


Quand vous pensez à Giotto, vous imaginez probablement ses fresques et ses peintures. Peu de gens savent que l'artiste était aussi un architecte de talent. Il fut d'abord le maître d'œuvre d'un monument très célèbre : le clocher de Santa Maria del Fiore à Florence . Fabriqué en marbre vert, blanc et rouge, le clocher de 80 mètres (262 pieds) est considéré comme l'un des plus importants d'Italie.

L'artiste a été appelé à le concevoir en 1334, mais il n'a pas réussi à le voir achevé. Après sa mort, le projet a ensuite été confié à Andrea Pisano et Luca della Robbia, qui ont poursuivi l'idée originale. Le clocher de Giotto est plus décoratif que fonctionnel pour la cathédrale. Il combine magistralement la tendance à la verticalité typique des cathédrales gothiques (TC Link Gothic Cathedrals), avec la solidité de la tradition florentine et la géométrie architecturale de la Renaissance .


5. Le Mystère de la Basilique d'Assise : La Questione Giottesca


Les chercheurs se sont efforcés pendant des générations de comprendre le chantier de construction de l'incroyable basilique Saint-François d'Assise. Différents artistes et styles se sont succédés dans cette double église, l'une des plus importantes de l'art du XIIIe siècle. Giotto figurait probablement aussi parmi eux. Les fresques qui décorent la basilique ne sont pas précisément documentées. Cela a probablement commencé dans l'église inférieure, avec l'artiste appelé conventionnellement le «maître de Saint-François». La décoration de la basilique supérieure n'a commencé que dans les années 1280, avec des maîtres tels que Cimabue ainsi que des maîtres romains ultérieurs, tels que Pietro Cavallini et Jacopo Torriti.

La touche de Giotto n'a été reconnue qu'après 1289. Le cycle de fresques des Contes de saint François , qui longe la nef inférieure de l'église, lui sont attribués. Le cycle, composé de vingt-huit fresques avec des légendes descriptives, raconte la vie du saint et ses miracles, sur la base de la Legenda Maior de saint Bonaventure.



Giotto a créé ici une série de fresques très innovantes. Inspiré par les principes de l'ordre franciscain, il voulait parler directement aux fidèles. Son œuvre raconte la vie du frère saint François, d'abord en tant qu'homme, puis en tant que saint. Sa silhouette, à travers son drapé solide, ressemble à un vrai corps. Des expressions et des émotions humaines animent son visage. De plus, la lumière et la spatialité sont réalistes. La scène de la « Renonciation aux biens paternels », dans laquelle le saint se prive de ses biens matériels, et l'« Exorcisme des démons », sont parmi les plus célèbres du cycle.

La soi-disant questione giottesca - la discussion académique sur l'origine de ces fresques - explique très bien comment fonctionnent les historiens de l'art. L'attribution, n'ayant pas de sources documentaires, s'est faite par comparaison stylistique. La compacité, la taille et le réalisme des figures ont fait pencher les savants vers la main de Giotto. Quoi qu'il en soit, il ne fait aucun doute que les fresques d'Assise représentent une révolution. La rigidité byzantine a laissé place à l'humanité qui allait devenir typique de l'art de la Renaissance.


4. La Madone évocatrice intronisée à la Galerie des Offices


Ognissanti Madonna , par Giotto , 1310, via la Galerie des Offices

Un autre chef-d'œuvre de Giotto est conservé dans l'une des salles les plus célèbres des Offices. Il s'agit de la Vierge intronisée, également connue sous le nom de Madonna Ognissanti . Exposé aux côtés des Madones de Duccio de Buoninsegna et de Cimabue, il révèle sa saisissante originalité. Giotto l'a réalisé vers 1310, probablement à son retour de son travail dans la chapelle des Scrovegni. Encore une fois, la datation vient d'une comparaison stylistique : certaines figures rappellent celles de la chapelle de Padoue. La plasticité de la figure de la Vierge est l'un de ses traits typiquement giotto-esque. Il reprend les principes de la solidité classique. La perspective du trône est également innovante, avec ses précieuses marches de marbre.


3. Le chef-d'œuvre de la chapelle des Scrovegni : la vie de la Vierge




En 1303, le riche banquier de Padoue Enrico Scrovegni chargea Giotto de décorer une chapelle. L'incroyable travail était probablement destiné à réhabiliter son nom de famille, étant le fils d'un usurier. Le résultat a été au-delà des attentes. Le programme iconographique créé par le peintre toscan comprenait un cycle de 39 fresques consécutives. Ils représentaient d'un côté les épisodes de la vie de Marie , de l'autre la vie du Christ. Enfin, Giotto a peint un mur avec le Jugement Universelet une bande décorative innovante affichant les principaux vices et vertus. Tout dans la chapelle des Scrovegni parle de rédemption - c'était un chemin vers le salut. Le choix de représenter la vie de Marie — à commencer par ses parents et sa naissance jusqu'à son mariage — a été fait pour des raisons religieuses. Il est probablement lié à l'ancien culte marial, extrêmement populaire dans la ville de Padoue.


2. Intérieur de la chapelle des Scrovegni : La vie du Christ


La scène de l' Annonciation occupe la partie voûtée de la chapelle. Il fait le lien entre la vie de Marie et celle du Christ . Giotto représente les affections et les expériences émotionnelles des protagonistes de ces scènes. Les anges tourmentés de la Lamentation et la douleur des personnages du Deuil du Christ mort sont des exemples de sa poétique. Le Baiser de Judas fait partie des scènes les plus célèbres du cycle. Dans la fresque, Judas embrasse Jésus pour l'identifier, provoquant sa capture. Giotto utilise un drapé corsé et un volume palpable, et il joue avec les expressions dramatiques des personnages.


1. L'impressionnant Jugement dernier dans la chapelle des Scrovegni de Giotto


Le Jugement dernier, chapelle Scrovegni, par Giotto , 1304-1306, via Web Gallery of Art

La chapelle des Scrovegni, en plus de ses cycles biographiques, possède un chef-d'œuvre intemporel sur son mur principal : Le Jugement dernier . Cette grande fresque occupe toute la contre-façade. Le Christ-juge domine le centre de la composition ; sur les côtés, il y a les armées angéliques disposées en rangées, ainsi que les prophètes, et les élus et les damnés.

La chapelle entière fonctionnait alors comme un avertissement aux fidèles. Cela leur a rappelé la possibilité d'un jugement divin. Cette signification attribuée au schéma décoratif est également confirmée par d'autres détails. Giotto a également représenté, par exemple, les vices et les vertus dans les bandes latérales, qui sont représentées presque comme s'il s'agissait de sculptures en faux marbre.




L'intention de Giotto de réunir l'humain et le divin à travers son art est attestée par un autre détail inhabituel. Dans Le Jugement universel, l'artiste représente également son client Enrico Scrovegni, qui est représenté en train de donner une maquette de la chapelle au Christ. Ce n'est que l'un des nombreux aspects originaux attribués à l'artiste.

Giotto dans la chapelle des Scrovegni rompt définitivement avec la peinture médiévale traditionnelle et sa composition en deux dimensions. De plus, ses visages et ses figures n'étaient plus conventionnels, mais expressifs et humains, et ils se rapportent les uns aux autres. En 2021, la chapelle des Scrovegni a été déclarée site du patrimoine mondial de l'UNESCO, pour avoir contenu un cycle de fresques qui a révolutionné le style figuratif et les techniques de fresque. Sans Giotto, il n'y aurait pas eu la Renaissance telle que nous la connaissons.


MA Histoire de l'art avec histoire de la critique d'artCinzia est une historienne de l'art italienne spécialisée en histoire de la critique d'art, avec un deuxième diplôme en communication et études en sociologie. Actuellement basée en Italie du Nord, elle a étudié à l'Université de Padoue. Elle travaille comme guide dans les départements d'éducation des musées et comme écrivain d'art. Elle écrit sur les arts contemporains et les sciences sociales, et comment ils s'entremêlent.

https://www.thecollector.com/giotto-di-bondone-10-art-masterpieces/
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