John Singer Sargent : plus qu’un portraitiste
Données biographiques
De nature aristocratique, cultivée et urbaine, John Singer Sargent (1856-1925) correspond idéalement à l’Américain expatrié selon Henry James. Né à Florence de parents américains, éprouva un souci toujours plus grand de l’Amérique avec le passage des années. En repensant à sa formation artistique Singer aime se définir comme « un Américain né en Italie, éduqué en France, qui regarde comme un Allemand, parle comme un Anglais et peint comme un Espagnol ». Pendant les années qu’il passe à Paris, il étudie les chefs-d’œuvre de Diego Vélasquez et de Frans Hals et dans le même temps il suit avec attention le réalisme et le naturalisme des peintres de Barbizon. En 1887, il expose pour la première fois au Salon de Paris et, en quelques années, acquiert une certaine renommée. Il fréquente les impressionnistes et, bien qu’il n’expose jamais avec eux, partage presque tous leurs choix esthétiques. Déçu et attristé par les réactions négatives de la critique face à son Portrait de Madame X, au Salon de 1884, Singer part s’installer à Londres, où il devient l’un des portraitistes les plus demandés par la haute bourgeoisie anglaise. En 1888, il se rend à Boston où il se consacre à la fresque pour diverses et importantes commandes publiques, dont la Public Library. Dans les dernières années de sa vie, il réduit de plus en plus son activité de portraitiste et s’exprime surtout par les aquarelles et les dessins à fusain, dans lesquels il reprend et élabore certains sujets classiques de l’impressionnisme.
Les portraits d’enfants figurent parmi les premières œuvres de Sargent et restent parmi ses peintures les plus captivantes. Plutôt que des images idéalisées de l’enfance, les portraits vivants de l’artiste servent à étudier le caractère de ses jeunes modèles. La présence d’un jouet favori ou d’un animal de compagnie, tel que le petit terrier dans le portrait de Beatrice Townsend que la jeune fille tient dans ses bras, sert à souligner sa personnalité.
L’œuvre de Sargent s’aligne principalement sur les valeurs conventionnels de la « respectabilité » bourgeoise. Ses splendides portraits , influencés par la peinture de Vélasquez et de Manet, sont de véritables status symbol du pouvoir de la haute société américaine. À côté de la célébration de l’élégance fastueuse de l’aristocratie américaine le regard complaisant de Sargent s’arrête sur la représentation des rejetons d’une classe dirigeante destinée à faire des États-Unis la première puissance économique mondiale.
Œuvres narratives
« Je ne fait pas de jugement, juste une chronique » Cette phrase caractérise l’ensemble de la production de Sargent, notamment ses œuvres de « genre », inspirées de situations narratives, comme Venetian Bead Stringers ou Le Jaleo de 1880. Dans cette dernière, l’influence de l’Espagne et de Vélasquez est évidente. Une rangée de musiciens et de danseurs est éclairée comme au théâtre ; les guitaristes dans l’ombre dessinent leurs silhouettes sur un arrière-plan ; un danseur en pleine lumière se découpe contre un fond sombre. Les personnages et les guitares suspendues au mur semblent dessinés sur une portée de musique, rehaussant l’impression visuelle de la musique qui est en train de se jouer. Ces groupements cadencés évoquent le rythme même du flamenco qui s’achève sur un claquement du talon de la danseuse. À l’opposé de la sobriété des couleurs et du tempo soigneusement maîtrisé de la disposition formelle à gauche du danseur, la composition à droite s’étend et devient une brusque éclaboussure de couleurs dans les costumes des personnages assis. Sargent était un pianiste de qualité, et son goût pour la musique est responsable de certains aspects de sa peinture. Cette peinture, qui témoigne de la phase « espagnole » du peintre, marque le lien étroit entre Sargent et Isabella Stewart Gardner, l’un des plus brillants collectionneurs américains de la fin du XIXe siècle et véritable animatrice de la scène culturelle de Boston.
La peinture Groupe avec parasols, montre quatre amis de Sargent endormis dans une prairie alpine sur le versant italien du Mont Cervin. Les personnages sont tellement mêlés les uns aux autres et au paysage, qu’il est difficile de les différencier. La décontraction totale du groupe contraste avec l’observation attentive de Sargent. Le raccourci de la composition renforce l’aspect voyeuriste de la scène. Vu de près, le paysage peint avec de larges touches évoque la sensation d’un soleil pommelé qui se dissout dans une quasi-abstraction.
Les œuvres La Pêche aux huîtres à Cancale et Femmes au travail – cette dernière appartenant à la phase finale de la production de Sargent – nous permettent de mesurer la délicate attention entre le peintre et la tradition impressionniste. Malgré l’utilisation efficace de certains aspects stylistiques propres à l’impressionnisme, comme les ombres colorées, les reflets de la lumière et les atmosphères évoquant la peinture en plein air, Sargent reste totalement indépendant dans l’ampleur de ses coups de pinceau, dans le choix des points de vue et dans la maîtrise intellectuelle plus générale de la composition. Sargent était indifférent aux nouveautés de l’avant-garde de la première décennie du XXe siècle, et dès lors, son style était déjà dépassé.
Les Jardins du Luxembourg c’est l’un des tableaux de Sargent qui se rapproche le plus de la sensibilité des impressionnistes. La grande place est rendue avec une teinte neutre, presque pastel, sur laquelle se détache le couple qui se promène, en particulier l’homme, vêtu d’un impeccable habit noir. Les figures autour de la grande fontaine sont esquissées avec quelques rapides touches de couleur et créent une atmosphère de tranquille quotidienneté ; Le tableau Claude Monet en train de peindre n’est pas seulement un témoignage intéressant sur l’amitié de Sargent et de Monet, mais aussi sur la méthode de travail en plein air de ce dernier : Sargent le représente pendant l’été à Giverny. Assise, à droite, et vêtue d’une robe blanche, nous voyons Alice Hoschedé, que Monet épouse en 1892.
Dans Paul Helleu peignant avec sa femme, la scène a pour cadre les berges du fleuve Avon, près de Fladbury, dans le Worcestershire, où les époux Helleu son venus rendre visite à Sargent. Paul César Helleu est un peintre et graveur français, ami de Sargent depuis 1876, quand il fréquentait la galerie Durand-Ruel avec Claude Monet. Tandis que le mari est absorbé dans la peinture, la femme a le regard fixe dans le vide, avec un air détendu et légèrement ennuyé. Le canoë, disposé en diagonale, tranche sur la végétation dense, rendue par une série de touches orientées et éclairées par une lumière chaude.
Les Filles d’Edward Darley Boit, de 1882, superbe portrait de groupe de Sargent exposé au Salon de Paris l’année suivante, ressemble à El Jaleo par ses rapprochements voulus, par ses contrastes de valeurs affirmés, par un éclairage venu de la gauche, par ses accents dramatiques et par ses puissantes zones d’ombre. Ici aussi, la couleur est atténuée, sauf pour la balafre rouge-orange du paravent à droite. La disposition très étudiée des éléments sur la surface picturale rappelle l’amour de Whistler pour les estampes japonaises tandis que les immenses vases chinois bleu et blanc paraissent des motifs whistlériens portés à l’extrême. Cette image des filles d’un ami du peintre, dans le vestibule sombre de leur appartement parisien, saisies sur l’instant, dans le vif, atteste avant tout d’un sens profond de la vie quotidienne ; l’œuvre est bien plus satisfaisante par là qu’en tant que portrait exact de personnes données.
Sargent et le portrait
La phase centrale de la carrière de Sargent est clairement dominée par le portrait. La grande facilité technique de Sargent, associée à sa capacité à représenter d’élégants modèles dans un cadre somptueux, l’a rendu extrêmement populaire auprès de riches mécènes des deux côtés de l’Atlantique. Avoir son portrait peint par Sergent était, pour la haute société américaine, une marque sociale importante. Quelques années après la réalisation de son splendide portrait Les Filles d’Edward Darley Boit, Henri James loue les qualités de portraitiste de son ami Sargent : « Il n’y a pas de plus grande œuvre d’art qu’un grand portrait ; une vérité qui doit être constamment rappelée par un peintre qui a en main les armes de M. Sargent. Le don qu’il possède, il le possède complètement. » En outre, il est difficile de résister à la fascination peut-être un peu artificielle mais sans doute efficace des portraits du peintre : le pinceau évoque rapidement des costumes et des atmosphères fantaisistes, mais modère son élan pour définir les visages, comme dans le cas du splendide Portrait de Mme Fiske Warren avec sa fille Rachel. D’autre part, Sargent est conscient de l’élégance de son style. Face à une œuvre comme Œillet, Lys, Lys, Rose, l’admiration certaine pour le rapport harmonieux entre les couleurs et les formes se conjugue avec la considération d’une certaine « froideur » de l’artiste face au motif.
Malgré son succès comme l’un des portraitistes les plus recherchés de la fin de l’ère victorienne, Sargent finit par être exaspéré par les caprices et les vanités de ses modèles. En 1907, à une comtesse qui lui demandait un énième portrait, Sargent répondit : « Demandez-moi de peindre votre portail, votre clôture ou vos greniers à foin et je serai heureux de le faire, mais pas un visage humain. » En 1909, il avait abandonné le portrait conventionnel pour « expérimenter des domaines plus imaginaires ». Bien qu’il préfère d’autres motifs, même après 1900, Sargent se consacre occasionnellement au portrait. Cependant, il ne s’agissait pas d’œuvres de commande, mais d’images prises sur le vif, réalisées pour le pur plaisir de peindre. Dans l’Artiste dans son atelier, Sargent représente le peintre italien Ambrogio Raffaele dans l’exiguïté de sa chambre, avec un grand paysage placé entre le lavabo et le lit. Paradoxalement, l’artiste, connu pour son travail en plein air, est montré en train de construire un tableau à partir d’études préliminaires dans son atelier de fortune. Raffaele regarde à travers les doigts de sa main droite une petite esquisse tenue dans l’autre main, ainsi qu’une palette et une poignée de pinceaux, tandis qu’il réfléchit à sa prochaine action. Le brillant rendu de la lumière de Sargent sur les draps froissés du lit défait occupe presque la moitié de la toile.
La femme dans le tableau Nonchaloir de 1911 est la nièce de Sargent, Rose-Marie Ormond. Conformément à sa nouvelle préférence pour les études de figures informelles, Sargent n’a pas créé un portrait traditionnel ; il a plutôt représenté Rose-Marie comme une figure anonyme et languissante absorbée dans une rêverie poétique. La femme allongée, semble être l’incarnation de la nonchalance – le titre original du tableau. Sargent semble avoir documenté la fin d’une époque, car l’aura persistante de la gentillesse fin de siècle et de l’indulgence élégante véhiculée dans ce tableau, allait bientôt être brisée par les bouleversements politiques et sociaux du début du XXe siècle.
Bibliographie
Gabrielle Townsend. John Singer Sargent – Aquarelles. Bibliothèque de l’Image, 2011.
Gabriele Crepaldi. Petite encyclopédie de l’impressionnisme. Solar, 2002
Daniel Kiecol. La peinture américaine. La grande parade de l’art, 2021
Collectif. La peinture américaine. Gallimard, 2002
Collectif. L’Impressionnisme. La Petite Collection de l’Art. Taschen, 2020
