The Most Significant Hans Holbein Show to Grace a U.S. Museum in 40 Years Is a Rare Chance to Bask in His Splendorous Paintings
The last Holbein show of its kind, which looked primarily at his drawings, was in 1983.
He might technically be “the younger,” but he still died 500 years ago. He’s also responsible for the best painting show in New York right now.
I’m speaking, of course, of Hans Holbein the Younger, the German-Swiss artist who pushed Renaissance painting to new heights in the 16th century. Beginning in Basel, and later in England, where he served as court painter to King Henry VIII, Holbein made his mark with portraits of nobles, merchants, and scholars. Many of these works form a quietly momentous survey currently on view at the Morgan Library and Museum.
“Holbein: Capturing Character,” as the show is called, is billed as one of the only major solo exhibitions dedicated to the painter ever mounted in the United States. It might be the last we’re treated to in our lifetimes, too, being the product of the kind of intercontinental, inter-institutional collaboration that is exceptionally rare and exceptionally expensive.
“Holbein’s paintings and drawings are the crown jewels of museums that own them,” the show’s organizers, John McQuillen and Austėja Mackelaitė, said in a joint email to Artnet News. “Such institutions can be reluctant to part with their most prized pieces. Many of the works are also fragile, which can make travel difficult or even impossible.”
Hans Holbein the Younger, A Lady with a Squirrel and a Starling (Anne Lovell?) (ca. 1526–28). Courtesy of the Morgan Library and Museum.
Indeed, logistical concerns with loans, transport, and insurance were among the biggest obstacles McQuillen, Mackelaitė, and their fellow organizer, Getty Museum curator Anne Woollett, had to overcome in putting the show together. The multi-year process was made all the more complicated by the pandemic.
The Holbein exhibition actually debuted last fall at the Getty in Los Angeles, but that version and the one on view at the Morgan differ in significant ways. Some institutions only agreed to loan certain prized pieces for a short period of time, allowing for inclusion in one, but not both, shows. The Frick, for example, lent Holbein’s portrait of Thomas More to the Morgan, and his painting of Thomas Cromwell to the Getty. Both pieces rank among the portraitist’s best.
All in all, the exhibition features loans from 10 U.S. institutions and collectors, and 13 from overseas. Roughly 60 pieces spanning the artist’s entire career are included view, 31 paintings among them. Particularly significant gets for the museum include Holbein’s portraits of Erasmus of Rotterdam (circa 1532), A Lady with a Squirrel and a Starling (Anne Lovell?) (circa 1535–40) and Simon George (circa 1535–40).
Hans Holbein the Younger, Simon George (ca. 1535–40). Courtesy of the Morgan Library and Museum.
The Morgan and the Getty were responsible for the last American exhibition dedicated to Holbein, a smaller display of the artist’s drawings that took place in 1983 and 1984. “The fact that it has taken almost 40 years for a more comprehensive overview of Holbein’s artistic practice to be assembled in the U.S. speaks to the difficulty of negotiating loans of the artist’s works,” McQuillen and Mackelaitė said.
For the curators, Holbein’s work is just as compelling now as it was then—and perhaps even more so.
“Holbein is one of the few artists who was extremely successful and popular in his own time, and whose work has never gone out of fashion,” they said. “His extraordinary mastery over the medium of oil paint led him to create highly naturalistic images, which are filled with tactile, closely observed details that simultaneously delight and seduce.”
Those details, the curators explained, are what make the artist’s output special. Whereas other painters focused on their sitters’ features, Holbein honed in on their physiognomy—the physical traits, that is that can reveal a person’s desires, disposition, or social status—as well as their garb. They are also the central preoccupation of the show (hence the title, “Capturing Character”).
“Although Holbein was not the only Renaissance artist who used portraits to create statements of visual identity for his patrons, the intensity of his preoccupations with these issues distinguishes him from many of his contemporaries,” the curators said.
See more works from the Morgan’s exhibition below.
Hans Holbein the Younger, The Wife of a Court Official of Henry VIII (ca. 1534). Courtesy of the Morgan Library and Museum.
Hans Holbein the Younger, Preparatory drawing of Simon George (ca.
1535). Courtesy of the Morgan Library and Museum.
Hans Holbein the Younger, Erasmus of Rotterdam (ca. 1532). Courtesy of the Morgan Library and Museum.
Hans Holbein the Younger, Terminus, Device of Erasmus (ca. 1532). Courtesy of the Morgan Library and Museum.
Hans Holbein the Younger, A Court Official of Henry VIII (ca. 1534). Courtesy of the Morgan Library and Museum.
“Holbein: Capturing Character” is on view now through May 15, 2022 at the Morgan Library and Museum in New York.
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Le peintre d'Henry VIII obtient son plus grand spectacle aux États-Unis
Si vous imaginez l'Angleterre Tudor dans votre esprit, il y a de fortes chances que cela découle directement du travail de Hans Holbein le Jeune.
Alors que j'assistais à l'inauguration récente de "Holbein : Capturing Character", la nouvelle exposition consacrée au maître allemand de la Renaissance Hans Holbein le Jeune (c. 1497-1543) qui vient d'ouvrir à la Morgan Library and Museum de New York, j'ai observé un visiteur demandant aux gardes de sécurité, "Où sont les photos d'Henry VIII et de Thomas Cromwell?"
C'était une bonne question puisque Holbein, bien que né à Augsbourg et pendant de nombreuses années citoyen de Bâle, est surtout célèbre pour les portraits qu'il a exécutés à Londres, où il est finalement devenu le peintre du roi d'Henri VIII (1491-1547). Si vous imaginez l'Angleterre Tudor dans votre esprit, il y a de fortes chances que la façon dont vous envisagez ses habitants découle directement du travail de cet artiste.
Entamant une conversation avec l'interrogateur, un homme aux proportions quelque peu henriciennes lui-même, j'appris qu'il avait fait tout le chemin depuis le sud du New Jersey ce matin-là pour voir le spectacle avant de déjeuner avec des amis de la vieille école. Il a trouvé étrange que non seulement il n'y ait pas d'images des Tudors dans l'exposition, mais que le célèbre portrait de Holbein de 1527 de St. Thomas More (1478-1535) soit dans l'exposition, tandis que son portrait des années 1530 du rival de More, Thomas Cromwell (c. 1485-1540) n'était pas - pourtant les deux peintures résident à la Frick Collection, à quelques pâtés de maisons de Madison Avenue.
Bien qu'il s'agisse d'observations parfaitement valables, il ne s'agit pas d'une émission sur la création de propagande artistique au nom d'une famille dirigeante, comme avec les portraits de Médicis au Met l'année dernière. Cette exposition tente plutôt de donner au visiteur un large aperçu du type d'œuvres créées par Holbein tout au long de sa carrière.
À cette fin, les organisateurs de l'exposition ont réuni le plus grand assemblage d'œuvres de Holbein jamais monté aux États-Unis. Il ressort clairement du catalogue, cependant, que ce n'est pas tout à fait le spectacle que les organisateurs avaient prévu.
Les Tudors qu'on ne voit pas
Compte tenu de l'état rare, parfois délicat, des Holbeins survivants, dont la capacité à voyager est maintenant davantage entravée par les caprices de ceux qui sont encore préoccupés par Covid, organiser ce spectacle en dehors du Royaume-Uni ou de l'Europe allait toujours être difficile. Trop peu de pièces de Holbein résident aux États-Unis.
Par exemple, il reste peut-être 100 dessins de Holbein, et le seul qui réside aux États-Unis se trouve au Getty Museum, où l'exposition s'est déroulée avant de venir à New York. Entre-temps, la reine possède environ 80 dessins de Holbein et en a généreusement prêté plusieurs à l'exposition. En conséquence, le catalogue est plus qu'une simple réflexion après coup ou un joli souvenir : c'est une sorte de peut-être-mais-pour. C'est aussi un moyen utile d'apprendre à connaître Holbein l'artiste, sans être trop distrait par les scandales des Tudors.
Le plus proche que nous obtenons dans l'exposition d'un membre de la dynastie Tudor, bien que par mariage, est un dessin vers 1538-42 de William Parr, marquis de Northampton (1513-1571), le frère cadet de la sixième et survivante épouse d'Henri VIII, Catherine Parr (1512-1548). Le marquis était connu pour être un habilleur vif, un fait confirmé dans le dessin de Holbein.
Parr s'est assis pour sa session avec Holbein dans un chapeau à plumes enjoué recouvert de bijoux et une robe doublée de fourrure, de velours et de satin, un vêtement qui dans la vraie vie était rayé violet et blanc. Nous le savons parce qu'ici, comme dans beaucoup de ses portraits, Holbein a pris des notes sur les couleurs qu'il aurait besoin d'utiliser pour terminer une peinture ultérieure de son sujet.
Pour un dandysme pur et sans vergogne, la star de tout le spectacle est sans aucun doute le remarquable portrait en cocarde de Holbein de Simon George de Cornouailles, peint vers 1535-1540. Je ne connaissais absolument pas cette pièce, en partie parce que personne ne sait grand-chose à l'heure actuelle sur le modèle et que la photo se trouve au musée Städel à Francfort, en Allemagne, une ville que je n'ai jamais visitée.
La spéculation dit que George était peut-être un poète, ou que le tableau a peut-être été exécuté comme cadeau de fiançailles. Les visiteurs de l'exposition auront la chance de voir le changement de sujet de Holbein entre les phases de dessin et de peinture, car au moment où son portrait a été peint, George avait laissé sa barbe précédemment taillée pousser jusqu'à la pleine longueur de hipster.
Comme dans le dessin de Holbein de Parr, George arbore un chapeau à plumes tout aussi élancé recouvert d'or et de bijoux. Il porte une sous-tunique blanche avec des vignes noires brodées autour du col, sous un justaucorps rose corail brodé en or. Par-dessus, nous voyons une tunique de couleur crème avec de fines rayures bleues le long des coutures, et par-dessus, il porte ce qui peut être décrit comme une doudoune en cuir noir.
C'est un look audacieux et énervé pour quelqu'un qui n'était ni royal ni, à notre connaissance, un aristocrate. S'il s'agissait bien d'un cadeau pour la future épouse de George, nous devons supposer qu'elle était aussi avant-gardiste que lui, afin d'attirer l'attention de ce paon.
Un regard sur des vies plus ordinaires
Tous les hommes de la série n'étaient pas aussi flashy. Des peintures représentant des membres de la communauté marchande allemande à Londres, par exemple, montrent des hommes sérieux et barbus vêtus du genre de vêtements sobres qui étaient attendus et en effet mandatés par la loi de la classe marchande, qui n'étaient pas autorisés à s'habiller en public.
Distingués les uns des autres principalement par leurs traits et leurs expressions, ils n'étaient pas du genre à prendre un luth et à chanter des chansons d'amour écrites par le roi ou à faire la fête lors d'une partie de chasse. Pourtant, sans eux et d'autres comme eux, Londres ne serait jamais devenu un centre pour le commerce mondial.
Dans l'ensemble, les dames de l'exposition ne s'en sortent pas aussi bien que les hommes ; en effet, certains d'entre eux semblent assez austères. Le portrait achevé de 1527 de Mary, Lady Guildford du St. Louis Art Museum présente une grande partie de la parure et du symbolisme de la Renaissance.
Pourtant, ce n'est tout simplement pas aussi attrayant visuellement que l'image originale, plus espiègle et coquette de Lady Guildford que Holbein a tirée d'elle de la vie, et qui se trouve maintenant au Kunstmuseum Basel. Dommage que ce dessin n'ait pas pu voyager à New York pour l'exposition, car opposer deux images de la même dame dans la même tenue côte à côte, mais dans des poses et des humeurs différentes, aurait été une belle opportunité.
Cela dit, j'ai été très heureux de voir l'image d'une dame que je connais qui a pu venir à New York depuis Londres, et qui est généralement appelée "Une dame avec un écureuil et un étourneau" (c. 1526-28). Je n'ai pas vu cette photo en personne depuis de nombreuses années.
Comme je suppose que c'est le cas pour la plupart des téléspectateurs, j'ai toujours été charmé par l'écureuil roux que la gardienne tient sur ses genoux. Lui et l'étourneau font probablement référence aux armoiries et au siège de la famille de la gardienne, de sorte que de plus en plus d'érudits sont persuadés qu'elle pourrait bien être Lady Anne Lovell, dont le mari, Sir Francis Lovell, était un proche compagnon et quasi-garde du corps d'Henri VIII.
Lors de ce visionnement, j'ai été frappé pour la première fois par les merveilleux détails que Holbein travaille dans sa représentation du bonnet de la dame, qui semble être fait de fourrure blanche chaude et luxueuse. Remarquez comment, avec de subtiles variations d'ombrage, Holbein capture l'effet de la couture canalisée qui va de l'avant à l'arrière du chapeau. La maîtrise de Holbein dans la représentation du tactile en deux dimensions est telle que vous pouvez facilement imaginer ce que vous ressentiriez si vous deviez passer vos doigts le long de ces indentations, pas pendant qu'Anne le portait, bien sûr.
Portraits et Bijoux
Peut-être une autre exception devrait-elle être faite pour le joli portrait d'une jeune femme non identifiée vers 1535-40, supposée être un membre de la famille Cromwell, prêté par le Toledo Museum of Art. Alors que la jeune femme est élégamment vêtue et d'une pudeur charmante, la pièce est particulièrement intéressante dans le contexte de l'exposition car elle est accrochée à côté d'une feuille de bijoux conçue par Holbein.
L'un de ces dessins est pour le grand médaillon d'or sur le devant de la robe de la gardienne. Le bijou représente l'histoire biblique d'un ange conduisant Lot et sa famille loin de la destruction de Sodome et Gomorrhe, et incorpore un joyau rectangulaire au centre. Cette pierre symbolise la femme de Lot qui, comme décrit dans Genèse 19:26, a été transformée en une colonne de sel. Pour déchiffrer le symbolisme de la raison pour laquelle on voudrait porter une telle babiole, vous devrez faire un peu de lecture et de réflexion.
Plus important encore, comme le montre cette juxtaposition de portrait et de bijou dans l'exposition, Holbein n'était pas seulement un maître peintre mais aussi un designer extraordinairement doué. Des articles de luxe tels que les insignes de chapeau incrustés d'or et les fontaines en argent massif aux lettres majuscules illuminées, aux illustrations de livres, aux décorations de fête éphémères, Holbein ne s'est pas limité à travailler dans un ou deux genres créatifs.
Le destin ultime de l'homme
L'exposition propose une large sélection d'exemples de productions artistiques dans lesquelles Holbein a été impliqué, allant d'objets précieux uniques commandés par des courtisans comme cadeaux pour le roi, à des gravures sur bois produites en série illustrant la fascination médiévale pour la mort.
La section sur la « Danse macabre » est unique à la version Morgan du spectacle et donne un ton très différent aux explorations de l'humanisme, de la vie de cour et de la mode qui prédominent autrement dans l'exposition. L'exploration artistique du destin ultime de l'homme, à une époque où l'acceptation de la mortalité n'était pas intentionnellement absente de la place publique comme elle l'est actuellement, peut sembler macabre au spectateur contemporain. Pourtant, Holbein a su tirer le meilleur parti des images largement diffusées et populaires sur ce sujet, en utilisant l'imprimerie.
Depuis le soi-disant "alphabet de la mort" imprimé d'après les dessins de Holbein en 1523 jusqu'aux gravures sur bois ultérieures de 1538 dans lesquelles Holbein montre comment la mort survient pour tout le monde, quelle que soit la station, du pape à la nonne, de la duchesse au laboureur, Holbein ne s'est jamais enfui de la mort artistiquement. Avec l'Europe dans un état de guerre quasi constant au XVIe siècle, la propagation de maladies infectieuses mal comprises dans les environnements urbains et Holbein devant travailler sous le règne d'un mégalomane dérangé, la possibilité d'une mort inattendue était toujours au coin de la rue. , à tous les niveaux de la société. En fin de compte, la mort est venue bien trop tôt pour Holbein lui-même, car il est mort à Londres vers l'âge de 45 ans, probablement de la peste.
Au plus fort de sa carrière et de sa renommée en Angleterre, Holbein a réussi à survivre et à prospérer sous le despotisme d'Henri VIII. Contrairement à More, Cromwell et d'autres qui avaient également été ses mécènes artistiques, Holbein a continué à être en demande jusqu'à sa mort.
Bien que cette première grande exposition américaine à examiner l'étendue de la production artistique de Holbein ne soit pas ce qu'elle aurait pu être si elle avait été organisée avant 2020, c'est une évaluation attendue depuis longtemps sur ces rives d'un artiste dont l'inventivité, l'observation et la compétence technique ne sont pas seulement défini comment nous imaginons tous l'âge Tudor, mais dont le travail continue de ravir et d'éblouir l'œil.
" Holbein: Capturing Character " est à la Morgan Library and Museum de New York jusqu'au 15 mai 2022.
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