https://www.bbc.com/culture/article/20220217-the-woman-in-white-the-meanings-hidden-in-a-masterpiece
La Femme en blanc et les significations cachées dans un chef-d'œuvre
Elle était une vision dans une robe blanche, alors qu'elle se tenait, ou à moitié flottante, devant un rideau blanc. Elle était une « apparition », s'enthousiasme l'artiste Gustave Courbet. Non, elle n'avait rien de fantomatique ou de surnaturel, selon le critique d'art Jules-Antoine Castagnary, elle était "une femme après sa nuit de noces", a-t-il dit, ne laissant aucun doute sur ce que ses lèvres en bouton de rose et son regard ébloui évoquaient en lui. Elle était "charmante" ressentit le poète Charles Baudelaire. Alors que l'historien de l'art Paul Mantz s'interrogeait : "Que veut-elle avec ses cheveux lâchés, ses grands yeux noyés d'extase, son attitude langoureuse ?"
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Le "elle" invoquant ces réactions notables a fait l'objet de The White Girl, un chef-d'œuvre créé par l'artiste James McNeill Whistler en 1861-2. Le modèle, Joanna Hiffernan, était également une muse, une compagne et bien plus encore pour l'artiste d'origine américaine, qui vivait entre Londres et Paris lorsque le couple s'est rencontré en 1860. Au moment de leur rencontre, Hiffernan, un Londonien d'origine irlandaise , avait 21 ans. L'artiste avait 26 ans, époustouflée par sa beauté, et ses cheveux, qui étaient "les plus beaux que vous ayez jamais vus !" il a écrit. "Un rouge non pas doré mais cuivré – aussi vénitien qu'un rêve !"
Le tableau, qu'il intitula finalement Symphonie en blanc, n° 1 : La fille blanche, fut rejeté par l'Académie royale et le Salon officiel de Paris, et accepté au Salon des Refus é s en 1863, une maison - grâce à Napoléon III - pour les beaux artistes rejetés ailleurs. Cela a scellé le destin de Whistler en tant que grand artiste international et lui a valu un énorme succès à son époque.
La controverse a fait rage autour des stéréotypes – déesse ou femme « déchue » – et de ce que toute cette blancheur pourrait éventuellement symboliser
Dès sa première exposition dans une galerie londonienne, sous le titre Woman in White, profitant de la popularité du roman du même nom de Wilkie Collins en 1859, il a fait sensation, a été ridiculisé publiquement et salué par la critique. Comme la Joconde des siècles avant elle, Woman in White a attiré des foules fascinées, spéculant sur qui elle était et ce qu'elle était.
Beaucoup de conjectures se sont concentrées sur la robe. Une robe d'une blancheur aussi éblouissante et baignée de lumière était sûrement un vêtement porté par les saints et la Vierge Marie, avec d'autres allusions à la pureté et à l'innocence invoquées par le lys blanc dans sa main. Mais qu'en est-il des cheveux roux, flottant, peut-être révélateurs de sa morale ? Et la peau de loup sous ses pieds ; avec ses liens avec la sauvagerie, la sexualité et la "bête" attendant d'être déchaînée en elle - ou peut-être ceux qui la regardaient.
La polémique faisait rage autour de ces stéréotypes – déesse ou femme « déchue » – et de ce que toute cette blancheur pouvait éventuellement symboliser : pureté, virginité, moralité, ciel, bonté, foi, perfection. Whistler était un "artiste impitoyablement ambitieux et travailleur" qui était "déterminé à laisser sa marque", selon le professeur Margaret MacDonald, co-commissaire d'une exposition à la Royal Academy de Londres, Whistler's Woman in White , ainsi que co- auteur du livre qui l'accompagne, qui est un expert de Whistler. Le livre examine la relation complexe et durable entre l'artiste et Hiffernan, et explore comment la sensation autour de The White Girl, qui se tenait au seuil de l'art moderne, a assuré la place de Whistler dans l'histoire de l'art.
Tout en savourant la publicité qu'il a attirée, l'artiste est resté en dehors du débat sur son thème blanc sur blanc, rétorquant de manière célèbre qu'il "représente simplement une fille vêtue de blanc debout devant un rideau blanc" - dans la lignée de "l'art pour l'amour de l'art" credo auquel il a souscrit. Pourtant, malgré son apparente insouciance, il a peint "Jo" - comme il l'appelait affectueusement - en blanc au moins cinq fois, dont trois dans sa série de symphonies. MacDonald a déclaré à BBC Culture que, selon elle, le choix d'une robe blanche par Whistler était en partie parce qu'elle "contrastait magnifiquement avec ses cheveux", et que l'artiste était enthousiasmée par le défi technique de peindre blanc sur blanc, un défi dont parlait l'artiste Auguste Renoir. plus tard de partage.
Les parcours de Whistler et Hiffernan n'auraient pas pu être plus contrastés. Il a eu une enfance privilégiée en Nouvelle-Angleterre et a grandi entouré de richesses. Hiffernan est issu d'une famille ouvrière pauvre de Limerick en Irlande, arrivée sans le sou à Londres. Elle avait des talents innés considérables; elle était (selon les biographes de Whistler Elizabeth R Pennell et Joseph Pennell) "presque sans éducation, mais d'une intelligence vive… [et] d'un grand charme de manières". MacDonald dit que Jo et sa sœur Agnès (qui étaient proches) n'étaient "pas tout à fait dans la rue… mais c'était très difficile pour quelqu'un qui n'avait rien de gagner sa vie à Londres. Et elles étaient belles, donc le mannequinat [pour un artiste] était certainement une option".
C'était une option même si ce mannequinat pouvait être considéré par la "bonne société" de son époque comme une chute de grâce. Et quand Whistler a peint pour la première fois Hiffernan, il a utilisé des couleurs vives, et a dit à son ami peintre, Henri Fantin-Latour, qu'elle était comme une « putain » (prostituée). Bien qu'ils ne se soient jamais mariés au sens légal, leur relation durera 20 ans - jusqu'à sa mort - et elle était d'une importance vitale pour lui. Elle a non seulement posé pour ses meilleurs portraits – s'exposant ainsi à de la peinture blanche au plomb qui pourrait bien avoir contribué à sa mort d'une maladie pulmonaire à 44 ans – elle s'est également occupée de son fils d'une liaison pendant de nombreuses années, et a parfois géré son domaine.
Son rôle dans sa grande renommée est peut-être resté méconnu. Mais 160 ans plus tard, un projecteur fascinant tombe sur Hiffernan, sa personnalité et leur vie ensemble, comme le révèle l'exposition de la Royal Academy.
MacDonald et son équipe ont été ravis de découvrir, à l'aide de radiographies X, des images enfouies sous des couches de certaines de ses peintures (qu'il avait peintes pour les sauvegarder sur toile) représentant Hiffernan "ses yeux regardant dévotement vers le haut, comme vers le ciel", sous l'apparence d'une "femme en prière, d'une sainte ou d'une nonne" comme le dit MacDonald. "Toutes les interprétations spirituelles possibles de l'expression du modèle à ce stade."
"Êtres incandescents"
Le blanc dans les œuvres d'art porte "un large éventail de significations", explique Marina Warner, historienne, critique d'art et auteur de livres tels que Stranger Magic et Monuments and Maidens. "S'il brille, comme c'est le cas avec le rideau de The White Girl, cela donne l'impression d'être proche de la lumière et des idées de pureté et de propreté", a déclaré Warner à BBC Culture. Cependant, "le blanc brillant est également associé aux anges, ce qui sont des êtres incandescents - candidus signifie blanc en latin, et la lumière est à l'origine des choses. Si vous lisez la Commedia de Dante [plus tard connue sous le nom de La Divine Comédie], alors que vous vous élevez au ciel, cela devient de plus en plus brillant. Ainsi, cette connexion de la blancheur avec la bonté est très, très forte."
La robe du tableau n'est "pas brillante" souligne-t-elle "et en cela elle est moins angélique que nubile. Aussi une signification symbolique forte de la blancheur est un seuil - si vous êtes candidate ou novice pour devenir religieuse, vous portez du blanc, comme vous le faites pour votre première communion ; et si vous vous mariez, vous portez du blanc et franchissez le seuil de la virginité dans le monde de la sexualité ».
Warner note les "lèvres rouges et les cheveux pendants du modèle, peut-être un signe de disponibilité. Elle semble apte à se rendre sans trop de lutte. Un soupçon de sexualité dangereuse dans la peau de loup… même les fleurs sur le tapis font allusion à la fructification ou la fertilité". En effet, les conservateurs de Woman in White pensent que la série vêtue de blanc de Whistler a peut-être été inspirée par le tableau de Jean-Baptiste Greuze, La Cruche Cassée.(1771), "avec sa représentation d'une jeune chair blonde et d'une robe blanche soyeuse et désordonnée", comme le décrit le livre de MacDonald. Mais comme le dit Warner, le blanc véhicule un large éventail de connotations. Elle, comme Courbet avant elle, trouve la figure "plutôt spectrale. Je veux dire, dans les photographies psychiques victoriennes, les fantômes sont blancs, et il y a quelque chose d'insubstantiel, de fantomatique en elle. Et bien sûr, dans de nombreuses religions, la blancheur est la couleur de décès".
Le succès de la peinture a influencé des œuvres frappantes de cette époque, telles que Gentle Spring de Frederick Sandys (1865); Le somnambule (1871) de Sir John Everett Millais ; La femme en blanc (1871) de Frederick Walker ; Portrait d'Hermine Gallia de Gustav Klimt (1904); l'intrigante Fumée d'Ambre Gris (1880) de John Singer Sargent ; et des portraits saisissants de Berthe Morisot, comme sa sœur de l'artiste à la fenêtre(1869). La co-auteure de MacDonald, Aileen Ribeiro, note comment Morisot "aimait représenter ces robes du matin blanches douces, flottantes et semi-transparentes dans des cadres privés, informels et domestiques". Elle fait référence à The Awakening Conscience de William Holman Hunt (1853), qui "annonce la relation sexuelle entre le jeune homme et sa maîtresse par la spécificité de sa tenue de chambre, un corsage blanc rayé plus ample sur un jupon de coton blanc en broderie anglaise… Blanc puis est une couleur ambiguë ; elle peut englober une variété de significations, de l'innocence à l'absence de celle-ci"
Écrivant sur le symbolisme du blanc par rapport à la mode, Ribeiro observe: "C'est Wittgenstein qui a dit que le blanc est" ce qui supprime les ténèbres ", et pour cette raison est souvent lié à la vertu, la pureté, la propreté et l'humilité". Elle énumère la toga virilis blanche de la Rome antique, symbole du bien commun ; blanc porté par les monarques lors de leur couronnement pour souligner leur devoir envers l'État et le peuple; blanc associé à la foi et aux rites religieux, comme les pèlerins à La Mecque. Il y a le fait que les papes portent du blanc depuis 1566, comme symbole de pureté et de sacrifice, et il est porté par les prêtres et les prêtresses de la religion shinto au Japon, où le blanc est une couleur de bon augure depuis l'Antiquité.
Bien sûr, il existe d'innombrables représentations de personnages vêtus de blanc dans l'art moderne, de Whistler aux femmes de Klimt vêtues de robes vaporeuses comme des ailes de papillon, en passant par la Femme en blanc de Picasso (1923) et les autoportraits éclatants de Frida Kahlo. L'une des peintures de Kahlo dans laquelle le blanc joue fortement avec le symbolisme des couleurs est The Two Fridas (1939). Elle se représente sous deux formes - une Frida vêtue de vêtements occidentaux, l'autre vêtue d'une robe blanche formelle avec des garnitures Tehuana traditionnelles, son cœur exposé saignant sur sa jupe blanche; il a été suggéré que la Frida blanche était la vie qu'elle souhaitait avoir mais lui a échappé (enfants et bonheur avec Diego Rivera, dont elle avait récemment divorcé). Kahlo a déclaré que la photo exprimait son désespoir et sa solitude.Autoportrait avec collier d'épines et colibri (1940) est sans doute son œuvre la plus connue mettant en scène elle-même : sa robe blanche est comme un linceul de crucifixion, car un collier d'épines, plutôt qu'une couronne, transperce sa peau.
Porter du blanc pour souligner l'égalité des sexes - et en tant qu'emblème de l'autonomisation des femmes - est toujours d'actualité
Les robes blanches en tant que tradition pour les mariages ne sont pas aussi anciennes qu'on pourrait le penser - en fait, c'est le choix par la reine Victoria d'une robe de mariée blanche finie en dentelle (pour aider l'industrie de la dentelle en difficulté), qui a inspiré une mode publique pour la mariée. blanche. Peta Hunt, experte en mode nuptiale, a récemment déclaré au site Web de mariage hitched.co.uk que nous verrons "beaucoup plus de robes de mariée colorées - roses, bleus, blush" et un retour des robes de mariée noires "pour un glamour et un drame élevés". Le port de blanc est apparu comme un outil de protestation pour les femmes depuis le début des années 1900, notamment les suffragettes britanniques et américaines. Le blanc est la couleur " la plus associée aux suffragettes aujourd'hui», écrit Erin Blakemore pour National Geographic. « Longtemps associé à la jeunesse, à la virginité et à la vertu morale, le blanc a suggéré que l'on pouvait s'attendre à ce que les femmes votent pour des politiciens et des politiques qui amélioreraient la société.
Vêtue de blanc, Emmeline Pankhurst a pris la tête de l'Union sociale et politique des femmes, pour promouvoir le vote des femmes lors de marches publiques, y compris la plus grande manifestation de son temps au Royaume-Uni, à Hyde Park, en juin 1908. Une longue robe blanche, portée avec du violet (symbolisant la dignité, la révérence et le respect de soi) ou du vert (pour l'espoir et une nouvelle vie), est devenu un uniforme facile à assembler pour les suffragettes participant à des rassemblements politiques. Les vêtements blancs se démarquaient également nettement de la foule d'hommes en costume sombre - un des premiers prototypes de la séance photo intelligente.
Porter du blanc pour souligner l'égalité des sexes - et comme emblème de l'autonomisation des femmes - est toujours très présent. En 2019, Donald Trump a fait face à une mer de suffragettes blanches lors de son discours sur l'état de l'Union, alors que les femmes démocrates membres du Congrès se sont présentées dans des vêtements d'un blanc immaculé : "Nous honorerons ceux qui nous ont précédés et enverrons un message de solidarité, nous ne revenons pas sur nos droits durement acquis », a déclaré Lois Frankel, du House Democratic Women's Working Group. Alors que Christine Holgate, ancienne PDG d'Australia Post, portait une veste blanche lors de sa comparution devant une enquête du Sénat - dans le cadre de la campagne Wear White 2 Unite pour encourager les gens à soutenir son appel à mettre fin à l'intimidation au travail.
Si elle était encore en vie aujourd'hui, que penserait Joanna Hiffernan, la première femme en blanc, de l'idée du blanc porté par les femmes en tant que déclaration politique ? Elle éclaterait probablement de rire et serait juste derrière, à en juger par son humour ironique et son pragmatisme, comme le révèle le livre. Et si elle pouvait se promener dans la Royal Academy et voir les plus de 70 peintures, gravures et estampes japonaises qui ont inspiré sa grande amie, pour voir que les œuvres les plus recherchées étaient d'elle-même ? Que ses talents et ses contributions à l'œuvre de Whistler aient enfin été appréciés, et qu'elle ait enfin eu son moment au soleil, serait en effet gratifiant.
Whistler's Woman in White est à la Royal Academy de Londres du 26 février au 22 mai 2022.
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