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Pour célébrer le 550e anniversaire d'Albrecht Dürer, voici 3 faits fascinants pour changer la façon dont vous voyez son autoportrait légendaire
L'un des autoportraits les plus célèbres de tous les temps est, sans surprise, plein d'intrigues.
«Tout ce qui était mortel à Albrecht Dürer se trouve sous ce monticule», lit-on dans l'épitaphe sur la tombe du maître de la Renaissance du Nord, Albrecht Dürer. La suggestion de l'élégie de son statut surhumain n'est pas sans mérite.
Lorsque Dürer mourut en 1528 à l'âge de 56 ans, sa renommée était sans précédent pour aucun artiste du nord des Alpes. Contemporain de Michel-Ange, Dürer a épousé les traditions et les techniques de l'Italie de la Renaissance (et y avait voyagé) tout en mettant l'accent de manière créative sur la gravure et en poursuivant la culture de la tradition nordique du détail méticuleux.
Peut-être le plus fascinant (du moins à notre époque contemporaine), Dürer a été le premier artiste à maîtriser l'autoportrait. D'autres artistes avaient inclus leurs ressemblances avant Dürer , mais Dürer est revenu sur le sujet à plusieurs reprises, le récompensant avec ses propres tropes et techniques.
Albrecht Dürer, Autoportrait à l'âge de 13 ans (1484). Gracieuseté de Wikimedia Commons.
Il a peint trois autoportraits au cours de cette vie et en a réalisé plusieurs autres sous forme de gravures et de dessins (le premier qu'il a réalisé à la pointe d'argent à l'âge de 13 ans). De loin, le plus connu de tous ces portraits est le dernier qu'il a peint, réalisé à l'âge de 28 ans, en 1500. L'image est largement considérée comme l'un des autoportraits les plus influents de l'histoire.
Alors que cette semaine marque le 550e anniversaire de la naissance de Dürer le 21 mai 1471, nous avons décidé de jeter un œil à cette image infâme. Voici trois faits sur Autoportrait (1500) qui pourraient changer la façon dont vous voyez la peinture de Dürer - et l'art de l'autoportrait en général.
1) Oui, Dürer se dépeint comme un Dieu - mais pas (totalement) par arrogance
Une partie de la renommée de ce tableau vient d'une provocation apparente: Dürer s'est représenté avec une ressemblance frappante avec Jésus-Christ (ou du moins, avec la figure du Christ connue à travers l'histoire de l'art).
Du vivant de Dürer, il convient de noter, on croyait qu'il y avait eu un témoignage oculaire (maintenant démystifié) de Jésus trouvé dans la «Lettre de Lentulus», écrite par le fonctionnaire romain Lentulus, un prétendu contemporain de Jésus. L'épître avait été publiée pour la première fois dans les années 1400. Alors qu'aujourd'hui on pense qu'il s'agit d'un faux, sa description des traits du Christ a eu une grande influence sur la façon dont il a été imaginé - et les traits juvéniles, barbus et aux cheveux longs de Dürer correspondent au récit de Lentulus.
Mais est-ce juste une coïncidence? Plus encore que les traits de l'autoportrait, c'est la composition qui martèle vraiment l'association. Jusqu'à cette époque, les portraits demi-longueur entièrement frontaux du type de l' Autoportrait de 1500 avaient été réservés presque exclusivement aux représentations du Christ.
Albrecht Dürer, Autoportrait (Madrid) (1498). Collection du el Museo del Prado.
La plupart des portraits de l'époque correspondaient à la position des trois quarts, comme on le voit dans l' autoportrait de Dürer d' à peine deux ans auparavant. Là, il se dépeint comme un dandy raffiné - une image très différente de la présentation intense et frontale.
Contrairement au paysage italien à l'arrière-plan de l'autoportrait de 1498, le plus célèbre autoportrait de 1500 a également un fond noir aplati, semblable à une icône. Dürer avait très probablement vu - ou vu des œuvres basées sur - Vera Icon de Jan van Eyck , qui sert de point de départ pour la composition de son autoportrait.
Copie d'après l' icône Vera de Van Eyck (1439). Collection de l'Alte Pinakothek, Munich.
Le panneau maintenant perdu de Van Eyck renvoie à des icônes religieuses qui cherchent à recréer la «vraie image» biblique du Christ - ce que l'on croyait miraculeusement apparu sur le voile de Sainte Véronique après avoir séché son front sur la route du Golgotha.
De tels dispositifs suggèrent certainement à Dürer de prétendre qu'il était un dieu de l'art. Ainsi, dans les années 1940, le célèbre historien de l'art Erwin Panofsky a posé la question qui continue de tourmenter les historiens aujourd'hui: « Comment un artiste aussi pieux et humble que Dürer aurait-il pu recourir à un procédé que des hommes moins religieux auraient considéré comme blasphématoire?»
Mais si cela peut sembler arrogant, à l'époque de l'artiste, le respect de soi était, en fait, perçu comme le chemin vers le Christ. «L'amour de soi et l'amour de Dieu existent dans une symbiose difficile dans la piété pré-Réforme», a écrit Joseph Leo Koerner dans son livre Le moment de l'autoportrait dans l'art de la Renaissance allemande , «Nicolas de Cusa, rappelons-nous, considère le narcissisme comme le point de départ de la dévotion. Nous embrassons Dieu, dans les images duquel nous sommes faits, non pas au départ parce que nous le reconnaissons comme notre créateur mais parce que nous voyons son visage comme le reflet du nôtre, que nous aimons par-dessus tout.
2) Son Signature Autoportrait est vraiment une signature auto-portrait
Détail de l' autoportrait d'Albrecht Dürer (1500).
La décision de Dürer, 28 ans, de se représenter était surprenante à son époque, à la fois dans ses techniques modernes et dans sa décision de se centrer sur le sujet. «L'autoportrait de 1500 réalise une sorte de révolution copernicienne de l'image, où ce qui était périphérique dans la peinture devient central», a noté Koerner.
Ce n'est pas seulement qu'il a mis sa propre image au centre de l'œuvre non plus. Il a également donné une nouvelle importance à la signature de l'artiste.
Détail de l' autoportrait d'Albrecht Dürer (1500).
Ici, sa signature avec l'année 1500 et une inscription «Moi, Albrecht Dürer de Nuremberg me suis représenté dans mes propres peintures à l'âge de vingt-huit ans» apparaissent de chaque côté des yeux du Christ, renforçant l'idée de l'équivalence entre l'artiste et Christ.
La signature «AD» unique de Dürer, semblable à un monogramme, avec un grand A avec un D en dessous, avait également une association religieuse et temporelle, rappelant «anno domini»: «dans l'année de notre Seigneur».
3) Une main peut signifier tellement
Détail de l' autoportrait d'Albrecht Dürer (1500).
Beaucoup ont noté le geste inhabituel de la main de l'artiste en pinçant la fourrure du manteau. "C'est un détail magnifique, voire pervers", a noté Jason Farago dans une récente lecture attentive du tableau dans le New York Times , "un détail qui replonge cette pseudo-icône dans le royaume des sens."
En plus de sa sensualité moderne, le geste a également, une fois de plus, souligné l'image de soi montante de l'artiste de la Renaissance. Le manteau de fourrure de Dürer dans la peinture aurait été associé aux classes supérieures.
Les historiens de l'art ont également postulé que le manteau était en fourrure de martre, couramment utilisée dans les pinceaux de l'époque. Dürer doigter les poils ferait ainsi un lien direct entre les signes extérieurs d'un statut social élevé et le travail de l'artiste.
D'autres ont noté que les doigts de Dürer pourraient faire écho aux formes de «AD» dans un geste autoréférentiel.
Albrecht Dürer, L' Homme des Douleurs (1515). Collection du Metropolitan Museum of Art.
Il y a encore une autre interprétation de la mandorle (c'est-à-dire de l'ovale pointu) que Dürer forme avec ses doigts: elle peut être une allusion à l' ostentatio vulnéraum ou aux blessures de crucifixion. En particulier, il imite la blessure latérale du Christ, la dernière blessure infligée par un soldat romain qui a lancé le côté du Christ pour confirmer sa mort.
Les peintures et sculptures représentant Jésus montrant ses blessures étaient un motif populaire connu sous le nom de «Christ en tant qu'homme des douleurs». C'était celui avec lequel Dürer était familier, ayant créé plusieurs des siens et se représentant même comme tel dans un dessin ultérieur connu sous le nom de Autoportrait de Brême .
Albrecht Dürer, Autoportrait, malade (1509/11). Collection de la Kunsthalle Bremen.
Théologiquement, on croyait que la division du côté du Christ préfigurait l'ouverture de la poitrine d'Adam pour prendre la côte utilisée pour former Eve. Ainsi, de la division du côté d'Adam naît l'humanité, et de la division du côté du Christ naît le salut de l'humanité.
En ce sens, le geste énigmatique de Dürer peut une fois de plus reconnaître Dieu comme la source de ses propres capacités créatrices. Comme l'explique Koerner, «l'artiste n'est divin que parce que Dieu est Deus Artifex ; l'homme peut créer de «nouvelles créatures» plutôt que simplement imiter les choses créées, uniquement parce qu'il imite la création du monde. »
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